Los Grammy

Dec 10, 2023

Foto de : Delali Ayevi

entrevista

La líder del grupo electro-pop detalla cómo su séptimo álbum, 'Slugs of Love', amplía la sinergia del grupo y la diversión que han tenido juntos durante casi tres décadas.

Hay una sinergia y una magia especiales que provienen de la música hecha por personas que se aman y realmente se conocen. Little Dragon ha manifestado y ampliado ese sentimiento desde que eran adolescentes.

El estimulante cuarteto de dance-pop sueco (el baterista Erik Bodin, el bajista Fredrik Wallin, el teclista Håkan Wirenstarnd y la cantante Yukimi Nagano) se conocieron en su escuela secundaria de música local y formaron Little Dragon en 1996. Ahora, están de regreso con su séptimo álbum, Slugs of Love, y simplemente se están divirtiendo.

El LP sigue a New Me, Same Us de 2020, en el que la banda se mostró más colaborativa, trabajando juntos en todos los elementos del progreso de la creación musical para cambiar las cosas. Slugs of Love promueve su impulso ultra colaborativo y experimental, ejemplificado por la exuberante y tonta canción principal, una meditación lúdica sobre la esencia de la humanidad.

Su libertad creativa irradia a lo largo del resto de Slugs of Love, como la soleada "Disco Dangerous", cuyos funky instrumentos proporcionan un telón de fondo de ensueño para que Nagano exclame tímidamente "¡nunca jamás!" hasta enamorarse. La siguiente canción, "Lily's Call", muestra otro lado de Little Dragon, un tema oscuro y apasionante cuyo instrumental podría encajar en una banda sonora de Blade Runner. Slugs of Love también los ve reconectándose con Damon Albarn, con quien trabajaron por primera vez en 2010 en Plastic Beach de Gorillaz, en la alucinante y reluciente "Glow".

"Nos sentimos realmente agradecidos de no tener que comprometernos en absoluto", le dice Nagano a GRAMMY.com. "Hacemos lo que amamos y hay gente a la que le gusta".

GRAMMY.com se reunió con la líder de Little Dragon para conversar sobre el nuevo y animado álbum del grupo, su longevidad como banda, su reunión con Damon Albarn y más.

Cuando escuché "Slugs of Love" por primera vez, me obsesioné y la escuché una y otra vez. Me encanta lo eufórico y absurdo que es. ¿Qué lo inspiró y cómo surgió la pista?

La pista fue escrita inicialmente como solo un ritmo de demostración y tenía esa energía contagiosa desde el principio, sin voces ni melodías, y realmente me atrapó. Los chicos siempre escriben títulos muy aleatorios para las pistas de demostración porque hay que ponerles algún nombre, pero me encantó ese título. Y a veces te inspira un ángulo extraño, y el título del demo junto con la música me dieron esta imagen para escribir. Pinté esta imagen en mi mente de los humanos siendo como babosas que se arrastran por la pared, y todos se están volviendo más obsesionados y más perezosos, pero en última instancia, todos necesitan y desean lo mismo: simplemente querer ser amados y estar seguros.

Tomó algunas vueltas en cuanto a producción. Intentamos tocarlo en vivo y luego volvimos a la vibra del demo. A veces parece que estás retrocediendo porque estás intentando demasiadas cosas y nada funciona, pero luego te das cuenta de que la vibra estaba en las ideas originales.

Dado que elegiste "Slugs of Love" como tema principal del álbum, ¿de qué manera sientes que habla o establece el tono para el resto del álbum?

Es simplemente una imagen divertida, así que estamos jugando con eso. Nuestra primera idea fue que queríamos hacer una trilogía [de] álbumes. Íbamos a hacer una que fuera solo canciones románticas, una de canciones de baile y otra con música alucinante del bosque. Al final decidimos hacer un álbum a la antigua usanza porque se estaba volviendo muy complicado.

"Slugs of Love" se destacó como pista y como título, y se sintió como representativo de todo el proceso y ese momento de hacer música. Sentí que también representaba algo un poco nuevo para nosotros. [Nuestra música] es muy intuitiva cuando la escribimos, cualquier cosa que se sienta bien en nuestras entrañas, y luego dejamos que los periodistas y la gente describan lo que significa.

Dijiste que tu último álbum New Me, Same Us fue el más colaborativo y los vio trabajar juntos de una manera nueva. ¿Cómo se comparó o diferenció su enfoque para hacer Slugs of Love, o se basó en eso?

Bueno, en cierto modo es solo una historia larga y lineal para nosotros, por lo que [obtenemos] más experiencia y comprensión mutua. A veces también tenéis que desechar las ideas que tenéis el uno del otro, como ocurre con una familia, en la que siempre hay alguien que es la hermana pequeña.

A veces simplemente tenemos que intentar tener una pizarra en blanco y no quedarnos demasiado estancados en los personajes que hemos creado. Entonces sigue evolucionando y todos realmente quieren colaborar. Creo que todos sentimos que es un proceso significativo, aunque a veces sea muy difícil. Todo el mundo tiene una voluntad bastante fuerte en diferentes áreas del proceso creativo, por lo que puede resultar complicado.

Cuando estás en el escenario, estás tan concentrado en el momento y tus sentimientos son tan grandes, pero cuando miras el espectáculo, estás tan relajado y estás ahí, listo para asimilarlo. Y creo que Ese tipo de sentimiento [existe] en el proceso de hacer tu música y en la relación con nosotros mismos. A veces es tan serio que es como el centro del universo, pero al final del día, es sólo música. Podemos quedar realmente atrapados en un pequeño detalle, pero en realidad solo queremos ser amigos y divertirnos.

Al estar en una banda, tenéis diferentes perspectivas de cada uno. Creo que sería diferente si fuera sólo un artista en tu propia cabeza, siendo tu propio yo neurótico. Somos cuatro egos neuróticos chocando entre sí, así que tenemos un poco de perspectiva.

Me encanta la combinación de los instrumentales funky, confusos y brillantes de "Disco Dangerous" con el tipo de letras de canciones de amor anti-amor y el "¡nunca jamás!" se abstiene. ¿Cuál fue la chispa de esa pista?

Esa pista fue simplemente divertida. [Simplemente estábamos] siendo tontos, divirtiéndonos y disfrutando escribiendo música. Nos encanta la música que tiene esa vibra de alegría, y creo que eso se tradujo en esa pista. Pero, sobre todo, nos lo pasamos bien haciéndolo, así que estoy feliz de que haya salido adelante.

¿Y cómo evolucionaron los instrumentos en ese, desde el demo hasta donde está ahora?

Comenzó como una capa bastante básica de bajo y batería. Luego escribí una pequeña parte y luego se agregaron más cosas y escribí un poco más. No estábamos seguros de esta canción. A veces quieres escribir una buena canción y otras veces simplemente quieres divertirte.

Es divertido saber que también puedes liberar esas cosas sin que te importe demasiado. Creo que todos podemos quedarnos atrapados en la enfermedad de querer crear algo especial y quedar atrapados en pensamientos que en realidad no ayudan mucho al proceso.

Te reuniste con Damon Albarn en el reluciente "Glow". ¿Cómo inspiró o cambió el tema trabajar con él en él?

Simplemente nos arriesgamos a ver si le gustaba la canción, y así fue. Lo que realmente nos encantó de la contribución de Damon fue que fue muy descuidado de una manera que nos pareció realmente inspiradora.

Cuando colaboramos con personas, vamos un poco de puntillas, como, "Está bien, ¿esto funciona para ti? ¿Está bien?". Y él entró, lo cortó y añadió un montón de armonías nuevas y una parte completamente nueva. Creo que encaja muy bien.

Cuando escuché la canción, las imágenes que obtuve fueron muy psicodélicas; estás en el desierto y luego estás en el agua. Y cuando llegó su papel, comencé a ver estas grandes estatuas. La música, las voces y todo lo demás que añadió me parecieron un escenario completamente nuevo que me pareció realmente refrescante. Fue inspirador [darme cuenta] de que no hay que tener tanto cuidado.

¿Qué aprendiste de la gira con él en 2010 en el Gorillaz's Escape to Plastic Beach Tour?

Toda la experiencia fue una gran impresión porque había una gran mezcla de artistas en la gira. Fred y yo compartimos un autobús de gira con Bobby Womack. De La Sol también estuvo en la gira, junto con toda una banda de trompetas y una orquesta siria. Había tal vez ocho o nueve autobuses de gira; era una locura, como un festival en gira. Fue un momento muy bueno y muchos recuerdos divertidos.

Viajamos por Estados Unidos, el Reino Unido y Australia, así que fueron unos buenos tres meses. La parte inspiradora fue ver a Damon actuar en el escenario (lo dio todo) y la forma en que reunió a todos esos diferentes artistas. Creó muchas amistades que aún existen.

Hablando de actuar, todos traéis mucha energía y alegría a los espectáculos en directo. ¿Qué se siente para ti y para la banda cuando estás en el escenario?

Esa es probablemente la razón principal por la que nos acercamos el uno al otro, porque nos admirábamos como músicos. Se siente como si todos estuviéramos juntos en nuestro elemento y se siente natural porque lo hemos hecho durante tanto tiempo. Conocemos musicalmente el idioma de cada uno y sabemos cómo comunicarnos. Eso es algo tan especial.

Realmente no te das cuenta de que hasta que tocas con gente no conoces su lenguaje musical de la misma manera. Es algo que apreciamos. Por supuesto, hay shows buenos y malos, pero los chicos todavía me impresionan en el escenario con su forma de tocar porque improvisamos mucho e intentamos llevarlo a alguna parte. Cada espectáculo es diferente.

¿Es importante para ti cambiar las cosas en el escenario para no aburrirte, para entretener al público, o un poco de ambas cosas?

Creo que es una especie de orgullo del músico. También nos encanta la filosofía musical del jazz. Supongo que nos aburre si vemos bandas que tienen una pista de acompañamiento. Creo que ahí es donde se demuestra que primero somos músicos y luego nos convertimos en una banda. Todos éramos músicos de sesión y teníamos estas vibraciones entre nosotros cuando tocábamos y eso es lo que nos hizo escribir música juntos. Todo empezó ahí. Nos recuerda el núcleo de lo que somos juntos en el escenario.

¿Qué obtienes al compartir tu música en persona? Estoy seguro de que una cosa es recibir comentarios amables de la gente en línea, pero otra debe ser sentir que la gente se vuelve loca con tus canciones.

Es el mejor sentimiento. Quiero decir, no siempre tenemos [una multitud comprometida]. Cualquier banda sabrá que hacer shows de apoyo fortalece tu columna vertebral porque tienes que tocar casi para ti mismo. Entonces tenemos programas que son geniales y programas que son menos buenos. Cada espectáculo tiene sus giros, pero cuando las estrellas están alineadas, es bastante sorprendente.

Puedes tener momentos en los que pierdes la noción de ti mismo y sientes que la comunicación entre la banda fluye muy bien; casi sientes que también fluye de un lado a otro con la audiencia. De hecho, es un poco adictivo obtener ese sentimiento, esa energía, de una multitud. A veces hay algunas personas que se esfuerzan tanto, bailan y dan tanta energía que simplemente nos alimenta.

"Ritual Union" fue un tema muy importante cuando salió en 2011. ¿Cómo se sintió la banda en ese momento con el éxito y el revuelo que experimentasteis entonces?

No creo que necesariamente nos pareciera un pico ni nada parecido porque siempre nos hemos sentido como si estuviéramos en una especie de límite. Pero ahora lo apreciamos. Justo el verano pasado, cuando hicimos shows en San Francisco, reconocí a los fanáticos incondicionales de hace 10 años, que todavía vienen al frente.

En ese momento, estábamos de gira tanto que casi nos agotamos después de Ritual Union. Necesitábamos un descanso adecuado. Como banda, cuando sientes que estás en ascenso, es la sensación de que tienes que agarrar esto justo frente a ti, pero sigue avanzando, simplemente estás corriendo detrás de nada.

Tuvimos que detenernos y decir: "Está bien, puedes priorizar otras cosas y puedes decir no a los programas". Tuvimos que aprender cosas así porque puedes sentir que si no lo agarras, alguien más lo tomará y te lo perderás.

En la industria existe la sensación de que hay tanta competencia que, si no se aprovecha ahora, nunca volverá. Hay tanto miedo y presión en la industria que pueden presionar demasiado a una banda. Fue una época muy intensa después de Ritual Union. Pero estábamos recibiendo mucho amor y estábamos de gira mucho.

¿Qué vino después de esa pausa? ¿Qué fue lo que decía "por eso somos una banda" o "esto es en lo que realmente estamos enfocados"?

Todavía tenemos nuestro estudio y vamos allí casi todos los días. La gente alquila estudios por toneladas de dinero, y tenemos uno bonito hecho en casa que es un apartamento que convertimos en un estudio. Eso nos permite poder hacer una canción como "Disco Dangerous" y hacer el tonto en el estudio. Es una gran bendición poder publicar eso y saber que la gente realmente quiere escucharlo y bailar con él.

Nos sentimos realmente agradecidos de no tener que comprometernos en absoluto. Hacemos lo que amamos y hay gente a la que le gusta. Eso es lo que todo artista quiere hacer, no tener que venderse.

¿Te sientes conectado o inspirado por la escena musical de Gotemburgo?

Tenemos nuestra burbuja en el estudio. La configuración son cuatro estudios en un espacio, por lo que definitivamente estamos rebotando unos en otros en ese espacio colectivo. En un mundo de ensueño, sería todo un edificio y toneladas de bandas, eso sería bastante impresionante.

Leí que en realidad le tomó algún tiempo a la banda darse a conocer en Suecia, después del Reino Unido y Estados Unidos. ¿Cuándo finalmente se produjo el reconocimiento de su país de origen?

Siento que todavía es bastante lento aquí. Haremos un show en Gotemburgo y Estocolmo este otoño, definitivamente ha ido creciendo. Hicimos algunas cosas aquí durante el COVID; éramos una banda casera para un programa de televisión sueco realmente importante. Probablemente eso hizo que algunas personas se dieran cuenta, pero siento que todavía está creciendo.

Realmente tampoco hemos invertido mucho tiempo jugando aquí. Algunas bandas hacen giras por toda Suecia y tocan en ciudades pequeñas, pero nosotros realmente no hemos hecho eso. Realmente no puedes quejarte si no has realizado muchas giras y promociones aquí. Probablemente necesitemos dar más shows en Suecia. Nuestro primer sello discográfico [Peacefrog] estaba en el Reino Unido. No sé si eso tiene algo que ver con eso, pero definitivamente no se estaban centrando en Suecia.

Como banda, ¿cómo te aseguras de seguir divirtiéndote haciendo música juntos y interactuando creativamente, ya que lo has estado haciendo durante tanto tiempo?

La mayoría de las veces es bastante fácil. Quiero decir, no siempre habrá una buena vibra, pero como vamos al estudio casi todos los días, en algún momento fluirás, aunque pueda llevar algo de tiempo. Después del verano, necesitarás un poco de tiempo para calentarte y no necesariamente escribirás tu canción favorita el primer día que entres. Solo tienes que fluir con ella.

Creo que el simple hecho de aparecer en el estudio todos los días, estar juntos, hace que las cosas sucedan. ¿Pero cómo lo haces divertido? Creo que simplemente nos divertimos juntos, ni siquiera tenemos que intentarlo la mayor parte del tiempo.

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Foto: Santiago Felipe/Getty Images para ABA

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El segundo fin de semana de Coachella 2023 estuvo lleno de drama e intriga, y concluyó con presentaciones sorpresa como cabezas de cartel de Blink-182 y el trío de DJ Skrillex, Four Tet & Fred Again. Siga leyendo para conocer los momentos más importantes y las emocionantes sorpresas del fin de semana.

Coachella 2023 ya ha llegado a su fin. El segundo fin de semana del megafestival del sur de California concluyó con otra serie de actuaciones personalizadas que continuaron construyendo la reputación del evento como un lugar donde los momentos legendarios se convierten en historia.

El segundo fin de semana estuvo lleno de drama e intriga, liderado por la eliminación de último minuto de Frank Ocean de la alineación del domingo debido a una lesión. Los fanáticos ya estaban emocionados después de su controvertida actuación del primer fin de semana, mientras los organizadores trabajaban rápidamente para reemplazar su presentación principal. Los resultados fueron de primera categoría, cerrando Coachella con una nota muy enérgica y de celebración.

Como resultado, a Blink-182, que tenía una sorpresa programada para el viernes por la tarde del primer fin de semana, se le asignó un lugar en el escenario principal el domingo por la noche, seguido de un acto por anunciar.

Sin embargo, el acto misterioso no permaneció en secreto por mucho tiempo. Se reveló que los cabezas de cartel del domingo fueron el trío de DJ del supergrupo Skrillex, Four Tet y Fred Again..., quienes en su breve tiempo tocando música juntos se han convertido en uno de los actos más buscados del mundo. (Tanto es así que agotaron las entradas del Madison Square Garden dos minutos después de anunciar el espectáculo).

Más allá de la lucha del domingo, el segundo fin de semana de Coachella 2023 trajo gran parte de la misma emoción que la semana anterior, repleto de más sets destacados de los que incluso el asistente más experimentado al festival podría lograr ver. A continuación, revive siete presentaciones que muestran el reinado de Coachella como uno de los festivales más populares del mundo.

La banda británica de rock alternativo solo tiene material para un álbum homónimo, que han estado recorriendo diligentemente por todo el mundo. Y aún así lograron traer una sensación de celo y emoción auténtica a su segundo set en Coachella.

Rhian Teasdale y Hester Chambers de Wet Leg dan el ejemplo de esta energía. A lo largo de la actuación, compartieron miradas excitadas, ocasionalmente dejando caer la letra en favor de la risa. Otras veces, dirigían a la multitud en un grito épico, simplemente porque sí. Dave Grohl incluso apareció para gritar con ellos.

El clímax de la actuación en el escenario de Mojave el viernes por la tarde fue "Chaise Longue", el alegre tema de rock and roll que le valió al grupo un GRAMMY 2022 a la mejor interpretación alternativa. Cuando Teasdale preguntaba: "Disculpe", la multitud gritaba "¡¿Qué?!" con todas sus fuerzas. Entonces entró la guitarra de fuego rápido y todos en la multitud entendieron que la tarea era bailar.

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Gorillaz actuó por última vez en Coachella en 2010 como cabezas de cartel del domingo y aportó energía al penúltimo set del viernes por la noche. Cuando se trata de invitados especiales (una tradición de Coachella ya arraigada en la música de Gorillaz), el grupo intensificó su juego.

En la tercera canción, la leyenda alternativa de Los Ángeles, Beck, estaba en el escenario para cantar su artículo en "Valley of the Pagans" del álbum de Gorillaz de 2020, Song Machine, Season One: Strange Timez. A partir de ahí, más de la mitad del set de 17 canciones incluyó un invitado.

Thundercat participó por su contribución a la canción principal del último tema de Gorillaz, Cracker Island, Little Simz interpretó "Garage Palace" de Humanz de 2017, y Yasiin Bey, anteriormente conocido como Mos Def, se unió a Gorillaz junto con Hypnotic Brass Ensemble para "Sweepstakes". de Plastic Beach de 2010. Minutos antes de su presentación como cabeza de cartel, Bad Bunny salió con una máscara para interpretar "Tormenta", su largometraje en Cracker Island.

Una colaboración IRL de Bad Bunny puede haber sido el último golpe de gracia del invitado sorpresa, pero Gorillaz aún no había terminado. En un conmovedor momento de unidad, Gorillaz rindió homenaje a su fallecido colaborador David Jolicoeur después de que los miembros supervivientes de De La Soul se unieran a Gorillaz para interpretar "Feel Good, Inc."

Si Eric Prydz hubiera decidido simplemente tocar en un set de DJ, probablemente habría conseguido uno de los puestos de reserva más importantes del festival; en cambio, trajo su espectáculo HOLO a Indio.

Esta producción en vivo única es conocida en el circuito mundial de música dance por superar los límites de lo visual en el espacio en vivo. Hay cientos de videos en Internet que anuncian su carácter épico, pero esos videos no se comparan con experimentarlo en persona.

El set de cierre de Prydz en el Outdoor Theatre el sábado por la noche estaba programado para comenzar a las 10:20 pm, pero cuando llegó la hora, las pantallas permanecieron oscuras. Sin embargo, un oído atento podría decir que la escena realmente había comenzado; Una línea sutil emanó a través de los parlantes y, durante 20 minutos, siguió haciéndose más fuerte y extendiéndose en su repetición.

A las 10:40, una mano mecánica gigante apareció en la pantalla, como si flotara entre el público. Con un iPhone entre sus dedos al estilo Transformers, la mano tomó fotografías mientras una oleada de música electrónica comenzaba a formarse. Luego, cuando la mano giró el teléfono para mostrar una imagen de la audiencia en su pantalla, la primera pista del set tomó forma completa y una ola de energía se liberó de la multitud.

Durante el resto del set, cada nueva canción estuvo acompañada de una creación audiovisual cada vez más impresionante. Un fotograma mostraba al propio Prydz con un traje espacial. Otro era un equipo de astronautas disparando pistolas láser a la multitud. Se sentía tan real que probablemente alguien se agachó para evitar los proyectiles virtuales.

Coachella es un festival donde a la mayoría de los artistas les gusta hacer mucho, pero Christine & The Queens demostró que en realidad se puede hacer mucho con poco.

La producción durante el horario del domingo al atardecer en Mojave fue minimalista: dos plataformas separadas en el escenario, una para Christine y su banda de tres integrantes, la otra abierta para su uso. Al igual que su escenario, la música de Christine & The Queens es generalmente minimalista, aunque Christine no necesita mucho para cautivar completamente a su audiencia.

Las canciones comenzaron más tranquilas, ejemplificadas por el uso de la balada de rock alternativo de Red Hot Chili Peppers "By The Way" como transición a su exitosa canción, "Tilted". A medida que ese ritmo constante y simple avanzaba, la intensidad solo aumentaba. Christine dio vueltas con su cuerpo y terminó en el suelo, en la plataforma, mientras clavaba cada nota con sus tonos serenatas.

Aparte de su voz relajante pero poderosa y su fascinante presencia en el escenario, Christine era tanto una predicadora como una músico. Condenó el capitalismo patriarcal y se mantuvo firme en su creencia de que la música es el arma más poderosa contra él.

"¡No te vas a rendir!" gritó mientras su baterista lanzaba un solo de alta velocidad.

Cuando el supergrupo independiente subió al escenario al aire libre para el primer set del sábado por la noche en completa oscuridad, todos estaban preparados y listos para sentir todo. Así comenzó la sesión de terapia musical que fue la actuación de boygenius en Coachella, mientras los miembros Phoebe Bridgers, Lucy Dacus y Julien Baker cantaron las primeras líneas de "Without You Without Them" juntos en un solo micrófono.

"Quiero escuchar tu historia y ser parte de ella", cantó el trío; su mensaje era un llamado a todos los que estaban al alcance del oído, desde la audiencia hasta los guardias de seguridad y los trabajadores de producción.

Aunque la multitud no fue la más grande que se vería en el escenario al aire libre durante el fin de semana, el ambiente permitió mucho espacio para que la audiencia estuviera consigo misma bajo las estrellas. Luego, mientras la banda atravesaba los distintos estados de ánimo en su álbum debut, el disco, el público respondió de la misma manera a su energía.

Cuando el trío rockeaba canciones como "$20" y "Satanist", la energía era alta y animada mientras todos escuchaban los imponentes gritos de Bridgers antes de regresar con los suyos. Luego, cuando el volumen bajó para la honestidad cruda y sin filtros de canciones como "True Blue" y "Emily I'm Sorry", las personas que gritaban antes comenzaron a balancearse suavemente, murmurando la letra para sí mismas palabra por palabra, experimentándolas. en un nivel personal.

La propia Björk de Islandia actuó por última vez en Coachella en 2007, cuando encabezó el viernes. Para su primer set de Coachella en más de 15 años, la artista regresó con una orquesta completa que interpretó interpretaciones originales de sus obras pasadas.

Con el respaldo del Hollywood String Ensemble y dirigida por su compatriota islandés Bjarni Frímann, agradables canciones independientes como "Aurora" y "Come To Me" se convirtieron en epopeyas operísticas. La orquesta le permitió reproducir de manera precisa y sucinta "Freefall", una canción de su último álbum, Fossora de 2022, que integra la composición orquestal con la producción alternativa.

Cerrando el set, Björk se embarcó en una exploración del techno orquestal, mientras Hollywood String Ensemble reorganizaba su obra maestra industrial, "Pluto".

Visualmente, Björk cumplió las expectativas en todos los niveles. Su vestido recordaba a una telaraña, con plumas atrapadas en el adhesivo como si varios pájaros volaran en el ángulo preciso. Sobre el escenario, un espectáculo de drones aéreos reaccionó a su voz como si sus tonos estuvieran literalmente llegando al cielo.

Salvando el día, Skrillex, Four Tet y Fred Again... llevaron su actuación de último minuto a proporciones épicas. El trío de DJs actuó en ronda en el escenario satélite, mientras que se instalaron parlantes adicionales para que los fanáticos en cada parte del campo pudieran bañarse en sus sonidos electrónicos.

Su set fue simplemente una fiesta, completa con columnas de barras luminosas volando en el aire durante varias caídas. Luego, cuando caían, otras personas hurgaban en el campo y los recogían para poder arrojarlos en la siguiente gran caída.

En otras presentaciones como MSG, donde fueron el único acto, el trío tuvo hasta cinco horas para explorar toda la música que querían. Esta vez tuvieron menos de dos y llenaron el set con tantos éxitos como pudieron.

Algunos ejemplos fueron el tema de dubstep "COUNTRY RIDDIM" del prometedor productor de dubstep HOL!, "RATATA", una melodía breakbeat apoyada por una voz de Missy Elliott, e incluso "Party In The USA" de Miley Cyrus.

Pero el pegamento que mantuvo unido el set fueron los potentes tonos de bajo del rapero británico Flowdan. El nuevo trío hizo nuevas versiones de su tema a partir de la colaboración masiva con Skrillex y Fred Agan..., "Rumble".

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Foto de : Joshua Atkins

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Reviva el primer fin de semana del festival All Points East de 10 días en Londres con un resumen de siete de sus increíbles sets, desde el espectáculo principal hasta la arrogancia en carpas más pequeñas.

All Points East, el festival de música y espectáculo comunitario de Londres de 10 días de duración en Victoria Park, comenzó el fin de semana pasado, brindando a los londinenses ávidos de música un poco de juerga al aire libre antes de que el sol se esconda detrás de las nubes con el fin del verano.

Gorillaz encabezó el primer viernes del festival, abriendo el evento junto a artistas diversos e impresionantes como Turnstile e Yves Tumor. El sábado 20 de agosto, APE unió fuerzas con Field Day, una celebración de música dance que ha estado funcionando con fuerza desde 2007, para albergar a ídolos electrónicos como Chemical Brothers y Kraftwerk junto con DJ notables como Peggy Gou y Denis Sulta.

All Points East continúa del jueves al domingo siguiente, 28 de agosto, con artistas como Tame Impala, Nick Cave, The National y Disclosure. GRAMMY.com asistió al primer fin de semana de APE; Continúe leyendo para conocer algunos de los mejores momentos y lo que puede esperar del segundo fin de semana.

Tom Jenkinson, mejor conocido por su errático y excéntrico proyecto de música electrónica, Squarepusher, habitó la tienda de campaña North Stage para una presentación en vivo durante el Field Day. Sigue fuerte después de lanzar su álbum debut Feed Me Weird Things en 1996 en Warp, manteniendo y defendiendo el género de música dance inteligente (IDM) con una actitud voraz.

Si bien puede parecer difícil bailar con los ritmos rápidos y aleatorios de Jenkinson, demostró que es posible con movimientos contorsionistas en el escenario. No importaba que Jenkinson tuviera un bajo de seis cuerdas alrededor de su pecho; encontró tiempo para bailar mientras las nerviosas luces estroboscópicas parpadeaban igualando la música en rapidez e intensidad.

Remi Wolf de California capturó toda la gama de emociones del público el viernes por la tarde. Pasó por la feliz indiferencia de la adolescencia con el tema de rock alternativo Sublime, "Liquor Store", y por el estridente empoderamiento femenino con el alma hip-hop de "Sexy Villain". Ambas canciones son de su LP de 2021, Juno.

En un momento, preguntó a la multitud si alguna vez se sintieron rudos antes de preguntar a continuación si se sentían como unos llorones. Ambas consultas recibieron entusiastas aplausos. Pero la culminación llegó con su versión del éxito de Gnarls Barkley, "Crazy", una emoción que el público estaba feliz de irradiar cuando Wolf igualó el poder de Cee-Lo en las notas altas del coro.

​​Aaron Röbig y Felix Wagner, que producen y actúan en el proyecto de danza underground FJAAK, generalmente tocan música adecuada para las altas horas de la noche en espacios sucios de almacenes industriales. A menudo alternan entre techno contundente y ritmos retorcidos y de campo izquierdo, y en el Field Day 2022, llevaron su música nocturna a un horario del escenario principal a las 4 p.m.

Ritmos diabólicos resonaron en los campos de Victoria Park mientras los DJ retransmitían en una tríada de pantallas LED. Era como si fueran los cantantes principales de las distintas bandas de rock que habitarían el mismo espacio en diferentes momentos del evento. Un 180 completo desde donde normalmente se encuentra FJAAK, pero definitivamente lo lograron.

Hay ciertos nombres que perdurarán para siempre a lo largo de la evolución de la música, y uno de ellos es Kuti. Desde que el maestro músico nigeriano Fela Kuti fue pionero en el Afrobeat a finales de la década de 1960 al combinar estilos tradicionales africanos de música como el calipso y el yoruba con funk, soul y jazz, su apellido nunca ha estado lejos de la conversación musical.

El primer día de All Points East, Femi Kuti actuó con su propio conjunto afrobeat. Tal como lo hizo su padre, Fela, por él, Femi dio la bienvenida a la banda a su hijo, Made Kuti. Made interpretó la canción final del set en la que sostuvo una nota en su saxofón durante tanto tiempo que la gente sacaba sus teléfonos para cronometrarla.

Además de los escenarios principales, APE también contó con pequeños escenarios para los artistas emergentes. Uno de esos actos fue el grupo independiente HighSchool, que actuó en el escenario de Firestone durante un rápido set de 30 minutos que consistió principalmente en canciones de su EP debut, Forever at Last.

Acordonado en un rincón saludable del festival cerca de una colección de mesas y bancos donde los asistentes podían descansar y comer, el nombre HighSchool era bastante apropiado. Cuando la banda realizó su primer set con un baterista en vivo, se sintió como si fuera una de esas veces que las bandas vendrían a tocar al patio durante el almuerzo en la escuela secundaria.

El revuelo en torno al set principal de los Chemical Brothers en Field fue palpable, por decir lo menos. Mientras se ponía el sol y se cerraban los demás escenarios, miles de personas descendieron al escenario principal para deleitarse no sólo con la música de los favoritos del Reino Unido, sino también con el gran e intrincado espectáculo visual diseñado por los miembros Tom Rowlands y Ed Simons.

"Block Rockin' Beats" abrió el set, que fue particularmente espectacular dado que Dig Your Own Hole celebró su 25 aniversario en 2022. Poco después siguieron clásicos favoritos como "Go" y "Hey Boy Hey Girl". Cada tema llevaba consigo un diseño visual único que parecía volverse cada vez más impresionante y fascinante, pero lo más destacado en ese sentido fue seguramente "Eve Of Destruction" del LP ganador del GRAMMY, No Geography.

En una cultura popular donde los superhéroes son cada vez más banales, los Chemical Brothers lograron diseñar su propio equipo de superhéroes y supervillanos que entraban en combates épicos en vivo en la pantalla. Kevin Feige y el resto de la gente de Marvel Studios deberían tomar nota.

Dada la naturaleza de sus grabaciones, es probable que cada programa de Gorillaz tenga uno o dos invitados especiales. Antes de All Points East, Damon Albarn y compañía confirmaron no uno, sino nueve artistas invitados diferentes, incluidos Popcaan, el bajista de Clash Paul Simonon, Hypnotic Brass Ensemble y Bootie Brown de Pharcyde.

Yasiin Bey tomó la voz en "Sweepstakes" y "Stylo", sus dos temas de Plastic Beach de 2010. Pos, uno de los tres miembros de De La Soul, manejó sus versos (y un sermón introductorio bastante jovial) del exitoso sencillo "Feel Good Inc." de Demon Days de 2005.

Sin embargo, incluso con tantos amigos reunidos para el show de la ciudad natal de Albarn, todavía había espacio para algunas sorpresas, una de las cuales fue Kevin Parker de Tame Impala, quien interpretó el próximo sencillo de Gorillaz, "New Gold", por primera vez.

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La Noche más importante de la música, la 54ª Entrega Anual de los GRAMMY, se transmitirá en vivo desde el Staples Center en Los Ángeles el domingo 12 de febrero a las 8 pm ET/PT por CBS.

En las semanas previas a la transmisión, daremos un paseo por los recuerdos musicales con GRAMMY Rewind, destacando las "cuatro grandes" categorías: Álbum del año, Grabación del año, Canción del año y Mejor artista nuevo. de entregas de premios pasadas. En el proceso, examinaremos a los ganadores y a los nominados que estuvieron a punto de llevarse a casa un GRAMMY, al mismo tiempo que arrojaremos luz sobre las carreras de los artistas y las épocas en las que nacieron las grabaciones.

Únase a nosotros mientras realizamos un viaje abreviado a través de la trayectoria de la música pop desde la primera entrega anual de los premios GRAMMY en 1959 hasta la 53.a entrega anual de los premios GRAMMY del año pasado.

48ª Entrega Anual de los GRAMMY8 de febrero de 2006

Álbum del año Ganador: U2, Cómo desmantelar una bomba atómica Mariah Carey, La emancipación de MimiPaul McCartney, Caos y creación en el patio trasero Gwen Stefani, Amor. Ángel. Música. Baby.Kanye West, Late RegistrationDespués de superar el trofeo Bad for the Album of the Year de Michael Jackson en 1987, U2 superó otro obstáculo al vencer a una cuarta parte de los Beatles, homenajeado como Persona del Año de MusiCares 2012, Sir Paul McCartney [http:/ /www.grammy.com/news/paul-mccartney-to-perform-at-2012-musicares-person-of-the-year-gala\]. How To Dismantle An Atomic Bomb, que se dice que es el regreso del grupo a los grandes himnos clásicos producidos en los años 80, se ubicó en el puesto número 1 del Billboard 200 y obtuvo siete GRAMMY adicionales en 2004 y 2005, incluida la de Mejor Canción de Rock por " Ciudad de luces cegadoras" y "Vértigo". También hizo una especie de regreso Carey, cuyo décimo lanzamiento de estudio, The Emancipation Of Mimi, ganó sus tres premios GRAMMY, incluida la Mejor Canción R&B por el éxito número uno "We Belong Together". En 1990, Carey ganó sus dos primeros premios GRAMMY, incluido el de Mejor Artista Revelación. Para Chaos And Creation In The Backyard, producido por el ganador del GRAMMY Nigel Godrich, McCartney volvió al estilo de banda unipersonal exhibido en su debut solista homónimo, tocando casi todos los instrumentos del álbum, desde guitarras y teclados hasta bajo y batería. Stefani obtuvo una nominación por su debut en solitario, Love. Ángel. Música. Bebé. El álbum generó cuatro nominaciones adicionales y contó con su primer sencillo número uno como solista, el contagioso "Hollaback Girl". El segundo lanzamiento de West, Late Registration, marcó su segundo reconocimiento como Álbum del Año (también recibió reconocimiento por el trabajo de producción en The Emancipation... de Carey). El álbum encabezó el Billboard 200 en 2005 y contó con el éxito número uno "Gold Digger".

Record del añoGanador: Green Day, "Boulevard Of Broken Dreams" Mariah Carey, "We Belong Together" Gorillaz con De La Soul, "Feel Good Inc." Gwen Stefani, "Hollaback Girl" Kanye West, "Gold Digger"

El rock reinó en la categoría de Grabación del año, ya que Green Day ganó por su éxito "Boulevard Of Broken Dreams". La canción aparece en American Idiot, que le valió al grupo un GRAMMY al Mejor Álbum de Rock el año anterior y les dio presencia en Broadway cuando luego se convirtió en un musical en 2009. "We Belong Together" de Carey se disparó a la cima de varias listas pop. en 2005 y obtuvo dos premios GRAMMY, incluida la Mejor Interpretación Vocal Femenina de R&B. Añadiendo variedad al campo estuvo el grupo virtual de hip-hop Gorillaz con el tema viral "Feel Good Inc." con De La Soul. La canción les valió un GRAMMY a la mejor colaboración pop con voces y un dueto virtual con Madonna en la transmisión del GRAMMY. "Hollaback Girl" de Stefani obtuvo una nominación con la ayuda de los productores ganadores del GRAMMY, Neptunes. "Gold Digger" de West, que presenta piezas de muestreo de Jamie Foxx de "I Got A Woman" de Ray Charles, le valió al ganador de 14 premios GRAMMY una victoria como Mejor Interpretación Solista de Rap.

La canción del añoGanador: U2, "A veces no puedes lograrlo solo"Mariah Carey, "We Belong Together"John Legend, "Ordinary People"Rascal Flatts, "Bless The Broken Road"Bruce Springsteen, "Devils & Dust"

La segunda Canción del Año para U2, la emotiva "A veces no puedes hacerlo por tu cuenta", fue escrita por Bono y U2, y también le valió a la autoproclamada mejor banda del mundo un GRAMMY a la Mejor Interpretación de Rock. Por un dúo o grupo con voz ese año, superando a Coldplay, Foo Fighters, Franz Ferdinand y The Killers. La tercera nominación de Carey en el Campo General fue coescrita con un elenco estelar que incluía a Johnta Austin, Babyface y Jermaine Dupri. Legend hizo su debut en los GRAMMY este año, quien coescribió "Ordinary People" con Black Eyed Pea will.i.am. El álbum de estudio debut del cantante y pianista, Get Lifted, ganó un GRAMMY al Mejor Álbum Vocal de R&B, trofeo que fue reemplazado [enlace a: http://www.grammy.com/news/legend-gets-a-do-over \] en 2010 por The Recording Academy después de un incidente que involucró al sobrino de Legend. Uno de los primeros grupos de country en la memoria reciente en recibir una nominación a Canción del Año fue "Bless The Broken Road" de Rascal Flatts, escrita por Bobby Boyd, Jeff Hanna y Marcus Hummon. La canción, previamente grabada por Nitty Gritty Dirt Band, ganó como Mejor Canción Country. La entrada final, "Devils & Dust", escrita por él mismo y que aparece en el álbum número uno del mismo nombre, le valió al Boss cinco nominaciones al GRAMMY este año, incluida una victoria por Mejor interpretación vocal de rock solista.

Mejor Artista NuevoGanador: John LegendCiaraFall Out BoyKeaneSugarland

El artista de neo-soul Legend, que hizo dos grandes debuts en 2005 con su primer álbum de estudio y su primera aparición en los premios GRAMMY, obtuvo los honores de Mejor Artista Nuevo. Get Lifted también rompió el Top 5 en el Billboard 200. Ciara, nativa de Texas, nombrada la "Primera Dama de Crunk and B" por el productor Lil Jon, obtuvo un reconocimiento. También se llevó a casa un GRAMMY al Mejor Vídeo Musical Corto por "Lose Control". El grupo de pop/punk Fall Out Boy recibió su única nominación al GRAMMY hasta la fecha. El álbum del grupo de 2005, From Under The Cork Tree, alcanzó el puesto número 9 en el Billboard 200. El grupo de pop/rock con piano Keane agregó más variedad al diverso campo y obtuvo una segunda nominación al año siguiente por "Is It ¿Alguna maravilla?" El segundo acto country que obtuvo una nominación en el Campo General fue el entonces trío Sugarland, con Kristian Bush, Kristen Hall y Jennifer Nettles. El grupo ganó un GRAMMY dos años después a la mejor interpretación country de un dúo o grupo con voz (menos Hall) por la lacrimógena "Stay".

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Foto: Michael Caulfield/WireImage.com

noticias

¿Deprimido? La lista de reproducción de la Semana de Enfermeras GRAMMY te animará de nuevo

Para reconocer la vida de Florence Nightingale, fundadora de la profesión de enfermería moderna y jefa de enfermería británica durante la Guerra de Crimea, se celebró la primera Semana Nacional de la Enfermería del 11 al 16 de octubre de 1954, conmemorando el centenario de la misión de Nightingale a Crimea. Esta semana de celebración fue proclamada oficialmente por el presidente Richard M. Nixon en 1974, y en 1981, el 6 de mayo fue sancionado como el Día Nacional de Reconocimiento de las Enfermeras.

En 1990, la Junta Directiva de la Asociación Estadounidense de Enfermeras amplió el feriado a una celebración de una semana de duración que comenzó el 6 de mayo y finalizó el 12 de mayo, el cumpleaños de Nightingale.

Como uno de los eventos relacionados con la atención médica más grandes del país, esta semana reconoce las contribuciones y los compromisos que hacen las enfermeras y educa al público sobre el importante trabajo que realizan. Puede que no sea una cura para el resfriado común, pero en honor a estas notables enfermeras mencionadas a continuación, y a las enfermeras de todo el mundo, presentamos nuestra lista de reproducción curativa de los GRAMMY.

"¡Ayuda!" The Beatles, Salón de la Fama de los GRAMMY, 2008 Si alguna vez hubo una enfermera que ofreció un poco de ayuda, fue la enfermera británica Edith Cavell. Durante la Primera Guerra Mundial fue conocida por ayudar a todos los soldados, pero alcanzó fama eterna por ayudar a los soldados aliados a escapar de Bélgica. Los Beatles no necesitaron mucha ayuda, ya que "¡Ayuda!" alcanzó el número uno en ambos lados del Atlántico en 1965.

"Sobreviviente" (iTunes>)Destiny's Child, Mejor interpretación de R&B de un dúo o grupo con voz, 2001 En esta canción ganadora del GRAMMY, las damas de Destiny's Child prometen no rendirse ni detenerse nunca, y prometen trabajar más duro. Clara Barton debe haber hecho la misma promesa cuando se encontraba de vacaciones cortas en Europa debido al precio que tuvo en su salud ayudar a los soldados de la Primera Batalla de Bull Run de la Guerra Civil. Con el tiempo se convirtió en la fundadora y primera presidenta de la Cruz Roja Estadounidense, que se estableció el 21 de mayo de 1881 en Washington, DC.

"Sobreviviré" (iTunes>)Gloria Gaynor, Mejor Grabación Disco, 1979Mientras sepa amar, Gaynor declara que sobrevivirá. Mary Todd Lincoln, esposa del presidente Abraham Lincoln, mostró su amor y lealtad a la Unión cuando visitó, alimentó y trató a los soldados de la Unión durante la Guerra Civil.

"Fiebre" (iTunes>)Peggy Lee, Salón de la Fama de los GRAMMY, 1998Hazel W. Johnson-Brown probablemente podría curar la fiebre común y más cuando en 1979 se convirtió en la primera mujer afroamericana en alcanzar el rango de general de brigada en el ejército de Estados Unidos. "Fever" fue la receta correcta para Lee, ya que ascendió al puesto número 8 en el Billboard Hot 100 en 1958.

"Respira de nuevo" (iTunes>)Toni Braxton, Mejor interpretación vocal de R&B, 1994 La enfermera pionera Mary Breckinridge probablemente sintió que finalmente podía respirar de nuevo cuando huyó a Europa después de la Primera Guerra Mundial para unirse al Comité Americano para la Francia Devastada después de dejar a su marido. Después de regresar a los Estados Unidos, fundó el Frontier Nursing Service en 1925. Braxton pudo respirar tranquilo con "Breathe Again" y obtuvo los honores GRAMMY en 1994.

"Ayúdame a superar la noche" (iTunes>) Sammi Smith, Mejor interpretación vocal country, femenina, 1971 Si alguna vez hubo una enfermera, no cualquier enfermera, que pudiera ayudarte a pasar la noche, esa era Nightingale. En 1854 viajó a Turquía, donde atendió a los soldados británicos heridos y los controló a todas horas de la noche, lo que le valió el apodo de "La Dama de la Lámpara". "Help Me Make It Through The Night", el mayor éxito de Smith, fue escrito por el también ganador del GRAMMY Kris Kristofferson.

"Canto curativo"(iTunes>)Neville Brothers, Mejor interpretación instrumental pop, 1989 "Healing Chant" de los Neville Brothers quizás sirva como tema apropiado para la enfermera Jeanne Prentice, conocida por su trabajo en la protección del derecho de la madre a elegir un profesional autorizado para supervisar el hogar. Nacimientos en Dakota del Sur.

"Sentirse bien Inc." (iTunes>)Gorillaz con De La Soul, Mejor colaboración pop con voz, 2005 En su libro de 1966 The Nature Of Nursing, Virginia Avenel Henderson se hizo famosa por su definición formal de enfermería: "ayudar a las personas a ganar independencia en relación con el desempeño de actividades contribuyendo a la salud o a su recuperación." Henderson seguramente quería asegurarse de que todos sus pacientes se sintieran bien, similar a las intenciones musicales de Gorillaz en "Feel Good Inc.", ganadora del GRAMMY.

"Órdenes del médico" (iTunes>) Aretha Franklin y Luther Vandross, nominado a Mejor interpretación de R&B de un dúo o grupo con voz, 1991 Deben haber sido las órdenes del médico las que siguió Mary Ezra Mahoney cuando se convirtió en la primera enfermera titulada afroamericana. Mahoney también fundó la Asociación Nacional de Enfermeras Graduadas de Color en 1908, que finalmente se fusionó con la Asociación Estadounidense de Enfermeras entre 1950 y 1951. Desafortunadamente para Franklin y Vandross, el médico ordenó un GRAMMY por el álbum Cooleyhighharmony de Boyz II Men en 1991.

El curandero (iTunes>)John Lee Hooker, nominado a Mejor Grabación de Blues Tradicional, 1989Sophie Mannerheim es conocida por su trabajo como pionera en la modernización de la profesión de enfermería en Finlandia. A principios del siglo XX, trabajó como jefa de enfermeras en el Hospital Quirúrgico de Helsinki y más tarde se convirtió en presidenta de la Asociación de Enfermeras de Finlandia. Aunque su álbum finalmente no tuvo éxito, el pionero del blues Hooker obtuvo un GRAMMY a la Mejor Grabación de Blues Tradicional en 1989 por su colaboración con Bonnie Raitt en "I'm In The Mood".

"Enfermo, enfermo, enfermo" (iTunes>)Queens Of The Stone Age, nominada a Mejor Interpretación de Hard Rock, 2007. El escritor y poeta estadounidense Walt Whitman estaba enfermo, enfermo, enfermo cuando leyó una historia sobre soldados heridos en Fredericksburg, Virginia, en 1863. La lista incluía la de su hermano. nombre y Whitman inmediatamente tomó un tren a Virginia, donde trabajó como enfermero voluntario en más de 40 hospitales. De manera similar, los Queens probablemente se sintieron "enfermos, enfermos, enfermos" cuando perdieron, perdieron, perdieron ante los Foo Fighters por la Mejor Interpretación de Hard Rock en 2007.

"Angustia esta noche" (iTunes>)Eagles, Mejor interpretación vocal de rock de un dúo o grupo, 1979 Si va a haber un dolor de corazón (o cualquier tipo de dolor), la primera persona que querrás tener cerca es una enfermera o Lillian Carter, la madre de El presidente Jimmy Carter, quien en 1966 dedicó su tiempo como voluntaria del Cuerpo de Paz en la India. Los Eagles pudieron convertir su dolor en un GRAMMY de oro en 1979.

¿Qué canción representa mejor para ti la Semana Nacional de la Enfermería? O tal vez uno que te enferme…. Déjanos un comentario y háznoslo saber.