Mesa redonda: Una revisión de 'el disco' de boygenius

Dec 28, 2023

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Kevin Krein: Conocía a Julien Baker cuando Sprained Ankle cayó originalmente y ella comenzó a recibir mucha prensa, pero sinceramente estaba en un lugar a finales de 2015, donde simplemente no pude dedicarle a ese disco el tiempo y el esfuerzo que tal vez debería. tener. En 2017, poco antes del lanzamiento de Stranger In The Alps, vi un titular de The AV Club que decía algo así como que era el álbum más triste del año y que Phoebe Bridgers era más o menos la heredera del trono de Elliott Smith, lo cual fue suficiente para interesarme.

Aproximadamente al mismo tiempo, Baker lanzó su segundo álbum, Turn Out The Lights, y de inmediato me sorprendió lo honesto y sombrío que era, y realmente entré en mi era de escuchar a mujeres jóvenes tristes haciendo música triste para gente blanca triste.

Lucy Dacus lanzó Historian en la primavera de 2018 y me gustó; inherentemente no es tan triste o sombrío en la superficie como lo fueron Stranger o Turn Out The Lights, pero hay una gran conmoción en la voz de Dacus, y yo Realmente admiré lo audaz que fue una pista/cara uno y el sencillo principal “Night Shift”, solo en términos de cómo pasa de un movimiento al otro, con gran parte de ella y la guitarra, antes del El resto de la banda se derrumba por la catarsis al final.

Jadeé en voz alta en mi casa cuando se anunció el EP homónimo original en el verano de 2018, con un lanzamiento a finales de otoño, y luego la gira que lo acompañaba con Dacus como “abridor” y Bridgers y Baker como co-cabezas de cartel. Con todas sus respectivas salidas en solitario creciendo en alcance y perfil en los últimos tres o cuatro años, no estaba seguro de qué tipo de prioridad, si es que alguna, se le daría a resucitar a boygenius como banda, y cómo procederían con ello. si lo hicieran.

Beau Hayhoe: Creo que, como muchos oyentes genios, me encontré con el grupo a través de la suma de sus partes: primero me enamoré de la escasa, encantadora pero desgarradora Sprained Ankle de Julien Baker, luego Stranger in the Alps de Phoebe Bridgers, y finalmente llegué a La música de Lucy Dacus. Y cuando el debut salió al aire, estaba completamente involucrado y muy emocionado.

Creo que, como la mayoría de los oyentes, ese debut me dejó con ganas de más: aprovechar las fortalezas de cada cantante, darles espacio para brillar y dejar que las pequeñas florituras se destaquen a lo grande (“Souvenir”, especialmente, todavía me aplasta).

Fue increíblemente genial ver al trío tocar en solitario en la gira de otoño de 2018 (Lucy, luego Julien, luego Phoebe), antes de regresar como chicos genios para el bis, ¡una señal de cosas más grandes y mejores por venir!

Kylie Gurewitz: Era un gran admirador de Lucy Dacus antes de boygenius, y aunque Phoebe Bridgers y Julien Baker estaban en mi radar, no conocía muy bien ninguno de sus catálogos. Un amigo mío me envió el primer EP de boygenius poco después de su lanzamiento y me encantó. Ketchum, ID, realmente se destacó para mí, lo que me puso totalmente en la composición de Phoebe. Recuerdo escuchar Punisher el día que salió en medio del bloqueo y las protestas de Black Lives Matter, y quedarme impresionado; ese es definitivamente uno de mis álbumes favoritos de todos los tiempos. Me gusta mucho la composición de Julien, pero confieso que no conozco su discografía en solitario tan bien como los otros dos.

Los amo a los tres individualmente, pero hay algo mágico en boygenius y siempre esperé que hicieran más música juntos. Ha sido interesante ser fan en los últimos años, ya que las compañías y el mundo en general han tratado de mercantilizar este género de música “indie-de-chicas-tristes” al que estos artistas intentan resistir activamente. Pero no se puede encasillar al chico genio, eso es seguro.

Sofía Severs: La música de boygenius siempre ha sido la banda sonora perfecta para los momentos más emocionalmente crudos de la vida: momentos de transición y de inmensa agitación emocional. Toda su discografía es algo que debe ser escuchado atentamente; ya que sus letras encierran matices que prácticamente piden ser analizados. Pero ten cuidado: antes de pensar demasiado en las implicaciones de esas letras, será mejor que agarres algunos pañuelos, ya que podrías terminar derramando un par (o muchas) de lágrimas.

A veces, su discografía casi parece añadir insulto a la herida, sacando a la superficie pensamientos que se encuentran en lo más profundo de su psique para un examen más detenido. Los tres parecen tener la capacidad milagrosa de describir exactamente lo que siento por mí cuando parece que no puedo reunir la retórica para hacerlo yo mismo. ¡Gracias, chicos!

Recuerdo haber agregado "Souvenir" a una de mis listas de reproducción cuando estaba a punto de descubrir si una relación en la que estaba era realmente buena para mí o no, y cómo imaginar cómo salir de ella si resultaba ser lo último. – una pregunta que Baker, Bridgers, Dacus también reflexionan en los temas del disco. Dacus y Bridgers armonizan al final del último verso, cantando: “Cuando me haces un agujero en el cráneo / ¿Odias lo que ves? / Como yo”, una frase que capturó mis frustraciones hacia mí mismo y mis ansiedades en torno a esta relación que, en teoría, se suponía que era algo que me traería una alegría ilimitada. Al final, las cosas no terminaron funcionando para mí y mi pareja en ese momento, pero mi relación con boygenius se fortaleció diez veces, y oye, ¡eso es suficiente para mí!

Nicolas: Probablemente soy una minoría aquí, ya que me topé con boygenius antes de tomarme el tiempo de profundizar seriamente en las discografías de cualquiera de los artistas individuales. El primer EP giró alrededor de mi círculo de amigos en un punto crucial de transición para todos nosotros, y creo que nos unimos perfectamente a la intimidad emocional del sonido. A partir de ahí, para mí se convirtió en una especie de búsqueda del tesoro mientras intentaba deconstruir el proyecto y determinar la fuente de cada elemento.

Creo que a partir de ese momento me volví aún más fan, ya que no había una voz o un estilo singular que sobresaliera del resto. La afilada guitarra de Dacus se combina a la perfección con la calculada introspección de Baker y las inquietantes y aterciopeladas reflexiones de Bridgers. La colaboración fue una obviedad y electrizantemente emocionante, pero asumí que sería un proyecto independiente que sería apreciado desde la distancia a medida que las esencias respectivas de los artistas seguían madurando. El anuncio de un álbum completo definitivamente no estaba en mi tarjeta de bingo de 2023, pero inmediatamente me sentí ansioso por ver qué tan bien se mantenía su sinastría original.

Josh Weiner: Bueno, me siento un poco humillado al contemplar estas largas respuestas sobre los antiguos vínculos de mis colegas con boygenius... pero, francamente, ¡creo que nunca había oído hablar de este grupo hasta ahora! Seguramente había oído hablar de Phoebe Bridgers y disfruté algo de su música, lo que me inclinó a participar en esta mesa redonda. Pero los nombres “boygenius”, “Lucy Dacus” y “Julien Baker” me eran hasta ahora completamente extraños.

Por otra parte, si solo estuviera dispuesto a cubrir artistas que conocía anteriormente, habría acumulado muchas menos de 200 reseñas a lo largo de mis ocho años como redactor de Atwood. Además, disfruto participando regularmente en estas mesas redondas, por lo que eso no me impidió inscribirme en otra más. Aquí va nada….

Oliver Crook : Honestamente, esta es mi primera inmersión profunda en boygenius: para mi eterna vergüenza, de alguna manera me perdí por completo el EP. Si bien soy un gran admirador de Bridgers' Punisher y Baker's Sprained Ankle, me siento relativamente recién llegado al trabajo más profundo de todos los músicos. Lo bueno es que el disco ha iniciado para mí una gran búsqueda por la madriguera del conejo musical.

Beau Hayhoe: Creo que el disco hace exactamente lo que se propuso hacer: aprovechar las fortalezas de cada uno y al mismo tiempo mostrar lo bien que se combinan entre sí como cantantes y compositores. Es casi como si el trío estuviera en perfecta sintonía: se puede decir que tienen un vínculo y una amistad especiales, uno que ha crecido alrededor y gracias a la música, y probablemente se ha fortalecido a través de la música. Creo que se manifiesta de inmediato y creo que cada uno ha dejado una huella sonora única de una canción a otra. Me encantaría estar en una sala (¿o en una llamada de Zoom?) mientras descubren arreglos y comparten ideas de canciones (¿y archivos digitales?) de un lado a otro.

Kylie Gurewitz: Tenía (en secreto) miedo de que no pudiera estar a la altura del primer EP o del trabajo en solitario, pero no era necesario. Hubo tantos momentos en la primera escucha que me dejaron boquiabierto; desde construcciones de guitarra hasta armonías impresionantes y golpes viscerales en la composición. En comparación con el EP de 2018, que se grabó en unos pocos días, con un pequeño grupo de personas, este disco no tiene el mismo tipo de intimidad cruda en el sonido, pero mantiene ese sentimiento a través del lirismo y los momentos que Suenan como pequeñas notas de voz que se agregaron a la mezcla, como en “Satanist”.

Sofía Severs: Sobre todo me sentí angustiado después de mi escucha inicial. La forma en que los tres lidian con esta noción de amor e intentan darle sentido y definirla es profundamente perturbadora y al mismo tiempo increíblemente reveladora. Este conjunto de trabajos es tanto un ataque personal como una sesión de terapia (aunque los dos ciertamente se superponen en ocasiones). Se obtiene esta fuerte sensación de catarsis en cada canción; Y aunque el álbum termina con una canción emocionalmente ruinosa, al final terminas sintiéndote un poco más curado que antes de empezar.

Nicolas: La palabra que inmediatamente me viene a la mente es “periférica”. Te sientes arrastrado por una sensación que lo abarca todo y luego inmediatamente regresas a otra profesión que te deja boquiabierto. Parecían haber elevado su relación a través de los años; Lo que todavía se originó como una mezcla sorprendentemente fluida de arte ahora actúa como un amplificador de sus respectivos talentos, al mismo tiempo que mantiene la magia que los distingue en el género. Es a la vez una intervención y un desencadenante; al final estás emocionalmente agotado de la mejor manera.

Jose Weiner : ¡Es un disco muy bueno! Me impresionó verlo obtener una puntuación notablemente alta en Metacritic, y me complace decir que esas críticas positivas están totalmente justificadas, ya que brindan una maestría musical suprema y una transición sin esfuerzo entre un ambiente emocionante y apacible a lo largo de sus 42 minutos de duración. .

Oliver Crook : Amor verdadero y profundo. Es un ejercicio casi perfecto de equilibrio y control: aborda temas serios con suficiente humor para permanecer consciente de sí mismo, es folk y sabe cuándo rockear, permite que cada estrella brille mientras mantiene su sonido de chico genial único. Baker, Bridgers y Dacus claramente no estaban atados a expectativas y se sentían lo suficientemente cómodos con cada uno como para salir de sus zonas de confort y crear algo más grande que ellos mismos. Estoy impresionado por cuánta personalidad son capaces de poner en el álbum.

Kevin Krein:Mi reacción inmediata es que este es el disco más perturbador emocionalmente de 2023. Estoy seguro de que el nuevo porro de The National también será bastante emotivo a veces, pero gran parte de The Record es 100% un acto de terrorismo emocional y eso es por qué me encanta.

Kylie Gurewitz: Desde la perspectiva del oyente, parece que trabajar juntos le ha dado a cada artista una mayor licencia para tomar riesgos y, en ocasiones, tomarse a sí mismos un poco menos en serio. En una entrevista de la revista W sobre el primer EP, Dacus dijo: "Siento un tercio de la presión y tres veces la alegría". Gran parte de lo escrito en el disco me parece profundamente sin complejos, como si cada miembro hubiera dado a los demás licencia para hacerlo absolutamente. Creo que ese hilo estuvo presente en 2018, pero ahora se siente establecido como un componente clave de la composición, que puedes escuchar absolutamente en “$20” y “Letter to an Old Poet”.

Sofía Severs: Los arreglos del disco adquieren un paisaje sonoro más duro y más rockero que su EP debut homónimo, sonidos que los tres han estado perfeccionando respectivamente dentro de sus propias carreras en solitario. Baker, Bridgers y Dacus parecen estar completamente sincronizados dentro de las 12 pistas; tejiendo fragmentos de sus propias inclinaciones artísticas en el gran tapiz que es el disco. Cada miembro divulga un retrato extremadamente auténtico de su psique individual, pero parece que no tienen miedo de profundizar en este espacio vulnerable, siempre y cuando se tengan unos a otros allí durante la experiencia.

Nicolas: Hay un consuelo en estas letras que sólo se puede atribuir a años de comunicación y colaboración seria. Escuchar el Home Video de Dacus fue como cortar a través de una persona en piloto automático con un cuchillo afilado y mostró una nueva seguridad similar y una aguda franqueza en sus letras. La progresión de Julien Baker, en mi opinión, se puede ver más claramente en su composición. Little Oblivions fue una clase magistral absoluta, y el uso de la percusión por parte de Baker elevó por completo mi perspectiva del instrumento. El impulso de Punisher nunca se ha estancado desde su lanzamiento en 2020, y por una buena razón. Es inquietantemente catártico y se sitúa firmemente como un artefacto integral de la época. el disco tiene un aura similar; ya casi se siente nostálgico.

Oliver Crook : Se siente que hay una mayor voluntad de ir más allá del sonido y tomar más riesgos. Nunca llamaría seguro a ninguno de sus álbumes en solitario, pero el disco tiene una fuerza tácita que proviene de ser impulsado por aquellos a quienes eres más cercano y respetas.

Sigo volviendo a esta cita de Dacus: “Si una persona pensaba: 'No sé si esto es bueno, probablemente sea terrible', decía: '¡No! ¡Sé el niño genio! Cada uno de tus pensamientos vale la pena, simplemente escúpelo'”. Siento que esto se refleja todo el tiempo en el disco, ya que puedes escuchar los momentos que antes habrían reprimido en lugar de avanzar hacia lo desconocido. Tomemos como ejemplo ese hermoso momento en “Revolution 0” donde Bridgers canta “Solía ​​pensar/Si cerrara los ojos/desaparecería” y la canción se desvanece, antes de que las cuerdas y las guitarras rugan de nuevo en un sonido onírico. No sólo es impresionante, sino que es un momento que sólo los artistas intrépidos intentarían intentar.

Beau Hayhoe: Si lo piensas demasiado, es casi sorprendente cómo cada uno de ellos ha crecido a su manera desde su debut en 2018. Lo que más me ha impresionado (quizás) es lo que Julien Baker ha hecho con su espectáculo en el escenario y su absolutamente aplastante disco de 2021, Little Oblivions; ver lo que puede hacer con una banda completa detrás de ella es inspirador. Y ciertamente se puede decir que tanto Lucy como Phoebe también han crecido a pasos agigantados: la popularidad de Phoebe como una nueva estrella independiente que se ha vuelto (casi) convencional habla de eso.

Para mí, las canciones y los arreglos son más densos, más fuertes y aún más intrincados a la vez: el EP debut se sintió escaso a veces, en gran manera, y sin embargo, hay más complejidad en juego en este LP completo.

Kevin Krein: Ver el crecimiento, y me refiero específicamente a Bridgers para empezar, ha sido impresionante. Punisher, solo por su complejo y denso arreglo, sigue siendo realmente algo digno de contemplar, incluso tres años después de su lanzamiento. Además, para Baker era natural introducir un sonido de “banda completa” en Little Oblivions; se la podía escuchar incursionando en él en sencillos únicos de 2019, y ha agregado mucha nitidez y profundidad a su composición. Dacus, en Home Videos, al igual que Baker y Bridgers, realmente ha adoptado el uso de elementos más texturales, como sintetizadores de mal humor, efectos interesantes o simplemente escribir canciones que eventualmente terminan convirtiéndose en algo mucho más grande de lo que ella podría haber podido. lograrlo con tanta facilidad en el pasado. Creo que ese tipo de crecimiento y maduración se puede escuchar en The Record tanto en su sonido: es elegante y está lleno de sutiles trucos de estudio, pero al hacerlo, llega a todos donde están ahora, y a ninguno como los grandes o los grandes. Los momentos que suenan grandilocuentes parecen poco sinceros, pero también en la naturaleza confesional muy ambigua del lirismo, en la canción donde está claro que una persona tuvo más participación en escribirla, y en las melodías donde hay un equilibrio entre las tres voces. y lo que aportan. Se necesita mucha inteligencia para elaborar este tipo de narrativas personales, pero no jugar todo y al mismo tiempo compartir mucho de ti mismo.

Josh Weiner: Como mencioné anteriormente, nunca había oído hablar de boygenius (ni de ninguno de sus miembros, aparte de Phoebe Bridgers) antes de que saliera este disco. Por extensión, no me di cuenta del hecho de que efectivamente habían lanzado un EP debut en 2018; francamente, si todo lo que habían lanzado anteriormente era un EP de 20 minutos hace cinco años, entonces me siento menos avergonzado por el hecho de que Nunca había oído hablar de este grupo hasta ahora.

Si este artículo de la mesa redonda no tuviera una fecha límite tan ajustada (es decir, mañana cuando salga el álbum), entonces me tomaría el tiempo para escuchar boygenius y reflexionar a fondo sobre cómo se comparan el EP y el LP con unos y otros. Pero como eso no va a suceder, solo diré esto: dado que su primer EP salió hace cinco años y han hecho grandes cosas individualmente desde entonces (mira las impresionantes partituras de Metacritic de Phoebe Bridgers, por ejemplo). , entonces estoy seguro de que el siguiente LP demuestra aún más experiencia musical y cohesión sonora de la que lograron en 2018. Con suerte, pronto podré escucharlo adecuadamente para ver si ese es realmente el caso.

Sofía Severs: La canción que mejor aborda esta pregunta es quizás “Cool About It”. Baker, Bridgers y Dacus toman un verso y comparten sus diferentes experiencias en un diálogo de trabajo; clasificando pacientemente sus inseguridades y procesos emocionales. Si bien pueden tener diferentes tendencias sonoras y cosas que aportar, estos sentimientos universales los unen.

Como dicen los tres en “True Blue”, “Se siente bien ser conocido tan bien”, y solo puedo esperar que la letra sea, en parte, una referencia a su amistad. El amor entre estos tres amigos brilla en cada canción, mientras que con sus proyectos en solitario, uno puede tener una sensación de frío aislamiento en estos sentimientos ineludibles que describen completamente solos. Como un frente unido, boygenius confronta descaradamente estos sentimientos no óptimos, liderando la carga para que sus oyentes hagan lo mismo.

Nicolas: Sigo volviendo a la letra, pero el disco es realmente sobresaliente en términos de su tema y la combinación de perspectivas a través de las cuales se transmite. Cuando se lanzaron por primera vez las tres canciones originales, aunque las guitarras con garra en $20 se inclinan más hacia mi sonido preferido, 'Not Strong Enough' me dio una perspectiva más fuerte de la voz exclusiva de boygenius. Las armonías mientras los tres cantan “Siempre un ángel, nunca un dios” permiten que cada una de sus voces flote sobre el agua. En 'True Blue', "Pero se siente tan bien ser conocido tan bien / No puedo esconderme de ti como me escondo de mí mismo" fue uno de esos momentos instantáneos que te obligan a hacer una pausa y reflexionar sobre tu relación contigo mismo y contigo mismo. el cuerpo de trabajo más amplio. Boygenius no se toma la etiqueta de "identificación" a la ligera: hay que trabajar para lograrlo.

En el álbum completo, 'We're In Love' es la tierna serenata que se muestra en la introducción 'Without You Without Them'. La narración cinematográfica de Dacus siempre ha sido algo que realmente aprecio, y su toque en esta canción es imposible de ignorar. La letra está recubierta con un adhesivo inquebrantable que te ahoga y te protege del completo consumo emocional. 'En la próxima / ¿Me encontrarás? Seré el niño del clavel rosa / Prendido en mi solapa, que parece un infierno, y pide ayuda / Y si lo haces, sabré que eres tú.' No se necesitan palabras: estas son las letras a las que se hace referencia años en el futuro.

Josh Weiner: Odio tener que evadirme de nuevo, pero este parece el tipo de pregunta en la que realmente necesitaría escuchar el catálogo de cada miembro más a fondo, desarrollar algunas impresiones experimentadas de las fortalezas y estilos individuales de cada uno tal como se exhiben en sus discos anteriores, y luego volver para decir cómo se vuelven a conjurar en este nuevo. Dado que estoy escribiendo en un plazo ajustado, no podré hacer justicia a ese proceso antes de que entreguen mis respuestas aquí. Pero espero desarrollar mis propias respuestas a esa pregunta una vez que se me conceda más el lujo del tiempo.

Oliver Crook : Si bien disfruto la mayoría de las canciones de este álbum, lo que más me impresiona es la cohesión en el tono y la vibra en todas partes. Es un álbum muy completo: las canciones se fusionan a la perfección, las letras son personales pero transmiten un mensaje unificado, y cada canción suena como una canción de boygenius, no como una oferta solista de Dacus, Baker o Bridgers. Concebir un tema tan sólido y ejecutarlo de manera tan perfecta proviene de músicos en la cima de sus poderes.

Kevin Krein: Lo realmente interesante de Boygenius como banda, tanto en este álbum como en su EP, es que hay ecos de la producción solista de cada uno en el trabajo que hacen juntos, pero el espíritu de colaboración es algo que, en última instancia, lo hace único. Además, está el amor y la admiración muy palpables que Bridgers, Baker y Dacus tienen el uno por el otro y honestamente puedes sentir eso en muchas de estas melodías, incluso cuando cantan sobre algo tan malditamente desgarrador, están teniendo divertido hacerlo juntos.

Kylie Gurewitz: Creo que los arreglos y la instrumentación del disco son exclusivos de boygenius como grupo; Se siente como si cada canción tomara diferentes elementos del sonido de cada artista y jugara con diferentes combinaciones.

También existe esta capacidad a través de la coescritura de poder contar historias desde múltiples perspectivas, algo que no se consigue en el trabajo en solitario de nadie. Canciones como “Cool About It” y “Not Strong Enough” capturan la misma belleza de “Ketchum ID”, donde una idea parece inspirar a cada artista a contar su propia historia que se arremolina en un hilo continuo; Esa debe ser una de las mayores hazañas de esta banda.

Y luego está el hecho obvio de que estos tres pueden armonizar increíblemente bien. Las texturas de todas sus voces son totalmente únicas, pero son capaces de crear algo increíble en esas armonías de tres partes. Creo que también hay más gritos en el disco que en cualquiera de sus trabajos en solitario, así que eso es lo más destacado.

Nicolas: “El satanista” sin duda me rasca una picazón que pensé que había estado latente durante mucho tiempo. Es nihilista, un título sin complejos que pide ser gritado a los cuatro vientos, presentando también un aturdido desenlace de un espíritu verdaderamente vacío. '¿Quieres ser nihilista conmigo? / Si nada importa, hombre, eso es un alivio / Salomón tenía razón cuando escribió Eclesiastés / Si nada se puede saber, entonces la estupidez es santa / Si el vacío se vuelve aburrido / Nos regalaremos un poco de confianza en nosotros mismos'. Es un guiño angustioso a la problemática educación y al trauma religioso de Baker en general, pero mi amor por ella radica más en el hecho de que la canción insiste en su descaro. Es empoderador desde un lugar de comprensión y seguridad, y esta comodidad parece permitirle a Baker canalizar emociones tan grandes sin sacrificar la profundidad o la individualidad.

Oliver Crook : Como mencioné anteriormente, estoy más impresionado por la totalidad del álbum que por cualquier canción en particular. Se siente como un álbum que escuchas de principio a fin, en lugar de elegir pistas individuales para disfrutar. Dicho esto, “The Satanist” es fenomenal: es pegadizo, un tempo en el que los tres prosperan y les permite a los tres mostrar sus mejores habilidades y grandes personalidades. Es uno de esos momentos del disco en los que todo se alinea y durante cuatro minutos y 50 segundos todo se siente bien en el mundo.

También me encanta la naturaleza profundamente personal de “Emily, I'm Sorry” y ese momento a mitad de “Anti-Curse” donde el dique emocional se rompe y te dejas llevar o te ahogas en los sentimientos: tú eliges.

Kevin Krein: De los tres sencillos originales lanzados en enero cuando se anunció el álbum, “True Blue” fue el que realmente se destacó, simplemente por lo desmayado y melancólico que es en términos de arreglos, pero también por su letra es uno de los más devastadores. escuchar. Además, “Not Strong Enough” es increíble: se eleva a alturas inimaginables en el estribillo, y la pura liberación de tensión tras la preparación de “Always an angel, never a god” es uno de los momentos más impactantes de una canción. este año.

Beau Hayhoe: “True Blue” ciertamente tiene su peso como uno de los sencillos principales del álbum, y estoy impresionado con el tipo de sentimiento de rock alternativo de los 90 de “Satanist”; ambas canciones me parecen más pesadas que cualquier otra versión del lanzamiento anterior de boygenius. , de una manera agradable. El hecho de que puedas escuchar a los tres en armonía (¡al unísono!) es un testimonio de la producción del disco, y tal vez del deseo del grupo de permitir que todos tengan espacio para forjar su propio camino.

Kylie Gurewitz: “Carta a un viejo poeta” es un puñetazo tremendo. Tiene el mismo sentimiento devastador que no he tenido desde "Killer". Hay una devolución de llamada a "Me and My Dog", cuando los tres cantan "I Wanna Be", y luego hay un cambio ascendente en el acorde, y Bridgers canta, "...happy, I'm ready". Es una manera increíble de encarnar musicalmente una transformación interna. Parecía que uno de los grandes temas del primer EP era el odio a uno mismo, o tal vez el desprecio por uno mismo, que es tan visceralmente evidente en la letra de “Me and My Dog”: “Quiero estar demacrado”. Provocar esa línea y luego jugar con esa expectativa es una composición bastante magistral; Me quedé boquiabierto cuando lo escuché por primera vez.

Josh Weiner: El consenso general aquí parece ser "True Blue", así que respaldaré esa opción también. Pero disfruté todo lo que pude escuchar en la escucha anticipada, y haré un reconocimiento particular a la colorida instrumentación de “Not Strong Enough” y las voces etéreas de “$20”. Veremos cómo maduran mis impresiones a medida que vaya familiarizándome mejor con la música.

Sofía Severs: Me encanta la idea de un amor sano e ilimitado en “True Blue” y la valiente admisión de insuficiencia en “Not Strong Enough”, pero en última instancia tengo que estar de acuerdo con las declaraciones antes mencionadas en “Letter to an Old Poet”. El amor sano es un concepto extraño durante gran parte de este disco, ya que los tres juntaron sus cabezas para descubrir qué implica exactamente esa importante 'palabra con L'.

Por muy desgarradora que sea la canción, captura magistralmente la verdadera angustia y el accidentado camino de curación que sigue. El lirismo está lleno de tantas yuxtaposiciones que capturan lo difícil que puede ser amar a alguien cuando lo mejor que puede darte es ambivalencia. Pero incluso cuando se recibe este tipo de 'amor' mediocre, los lentes de color rosa se resquebrajan, mientras Bridgers toma la iniciativa y canta: "Dije que creo que eres especial / Una vez me dijiste que soy egoísta", y continúa con confiesa: "Y te amo / No sé por qué / Simplemente lo hago". A lo largo de la canción, los tres músicos poco a poco desaprenden la noción de tener que permanecer al lado de alguien pase lo que pase, centrándose en cambio ellos mismos y sus necesidades en la narrativa. Los tres armonizan: “No eres especial, eres malvado / No puedes decirme que me calme / Me hiciste sentir como un igual / Pero soy mejor que tú y eso ya deberías saberlo ”, dándose cuenta lenta pero seguramente de su autoestima después de años de entumecimiento. Han llegado a un punto de inflexión y, aunque cantan: “No puedo sentirlo todavía / Pero estoy esperando”, la parte difícil ya pasó y el futuro está por delante.

Josh Weiner: Recientemente regresé de un viaje de vacaciones a Quebec en febrero con carámbanos colgando de mi cara (aunque mi cara ampliamente sonriente, ¡es jodidamente increíble allí en invierno!). Por lo tanto, puedo identificarme muy fácilmente con el pasaje lírico de “ Emily, lo siento”, que dice: “Llévame de regreso a Montreal, conseguiré un trabajo de verdad, volverás a la escuela, podemos quemarnos en el frío helado y simplemente perdernos”. Eso me recuerda mucho cómo fueron las cosas allí para mí y para mis padres, a quienes de alguna manera convencí para que se unieran a mí en esta gélida aventura canadiense. Pasamos el frío glacial en Montreal y Mont Tremblant, pero también logramos “agotarnos” después, es decir, cuando fuimos a calentarnos en la fogata del parque en Saint-Jovite, QC, después de nuestra cena después de esquiar. “Llévame de regreso a Montreal” es más o menos mi sentimiento exacto después de un viaje tan increíble como ese. Tengo los ojos puestos en el Festival Internacional de Jazz en junio para tener la próxima oportunidad de hacerlo realidad.

Kevin Krein: Honestamente, para mí son muchas de las líneas de “True Blue”: “Ya heriste mis sentimientos tres veces en el camino, solo tú pudiste” y “Nunca me has hecho mal, excepto esa vez que no No hablo.” Y, por supuesto, la frase que persiste en el coro: "No puedo esconderme de ti como me escondo de mí mismo". Además, gran parte de “Carta a un viejo poeta” también es bastante difícil de escuchar en términos de reflexiones poco halagadoras: “No eres especial, eres malvado. No puedes decirme que me calme”.

Oliver Crook : Oh, por dónde empezar con esta pregunta. Siento que podría enumerar muchos, así que solo señalaré al chico, acercándome más a “Carta a un viejo poeta”. Mientras que muchos señalarán la letra “Soy mejor que tú” (y deberían hacerlo, es increíble). pero mi favorito es el puente:“Quiero ser feliz/Estoy listo para entrar a mi habitación sin buscarte.

Beau Hayhoe:“True Blue” vuelve a brillar aquí para mí. Sé que a otros oyentes y escritores les encantó la letra “Se siente bien ser conocido tan bien/No puedo esconderme de ti como me escondo de mí mismo” – y me cuento a mí mismo. entre ese grupo!

Curiosamente, en “Revolución 0”, me llamó la atención la frase “Tengo miedo de enfermarme, no sé qué es eso”; tal vez sea una meditación interesante sobre las medidas cautelosas tomadas durante la pandemia (y de hecho , ¡mientras todavía nos adaptamos a ir a espectáculos y salir al mundo nuevamente!).

Los tres compositores tienen esta manera de dar en el clavo: cantan desde el corazón y desde sus propias experiencias, pero de una manera que va directo al núcleo de la experiencia humana, y eso es algo maravilloso.

Sofía Severs:Hay tantas letras para las que tuve un momento de "ay".

"Voy a fingir que estar contigo no es como ahogarme" en "Cool About It" es realmente contundente. Muy a menudo sentimos que debemos adoptar esta personalidad alegre y fingir que todo está bien, cuando en realidad podríamos estar pasando por las peores circunstancias o sintiendo emociones fuertes y no saber cómo salir de una situación. Esta pista ilumina esas emociones de una manera extremadamente empática.

“Se siente bien ser conocido tan bien / No puedo esconderme de ti / Como me escondo de mí mismo” es la frase más conmovedora que jamás haya salido de estos tres. Me encanta esta noción de amor incondicional y el sentimiento de ser verdaderamente visto por otro.

He mencionado que el amor es ese concepto extraño y confuso que los tres intentan definir constantemente dentro del proyecto. La letra, “Si no es amor, entonces ¿qué carajo es? Supongo que déjame fingir”, en “Revolution 0” resume perfectamente esto. Se apoyan en esta farsa y siguen el juego hasta que pueden convencerse de que esto es realmente el amor.

"Puede que me gustes menos ahora que me conoces tan bien". Uf. Esa letra de “Leonard Cohen” duele. La forma en que se dice la frase de una manera tan frívola es precisa para muchas situaciones de la vida real. Es devastador cuando le das tanto de ti a alguien sólo para que se retire, pero siempre terminas creciendo a partir de ello. ¡Brindemos por nuevos comienzos y cosas más grandes y mejores!

Nicolas: ¿Puedo reutilizar? Aunque ya mencioné su impacto antes, la letra, “Siempre un ángel, nunca un dios”, realmente me ha tomado bajo su protección y ha resumido este gran alcance de significado que boygenius continúa invocando en su trabajo. Para mí, es una referencia a la feminidad y a navegar por su éxito en una industria dominada por los hombres mientras se identifican como tales, ya que incluso sus respectivos trabajos a menudo se celebran, pero rara vez se reconocen como el verdadero genio en exhibición. Además, describe este deseo de control, ya sea que ese deseo esté arraigado o no en una buena intención y, no obstante, aceptándolo como parte de uno mismo.

Además, el final de 'Carta a un viejo poeta', 'No puedo sentirlo todavía / Pero estoy esperando' es una confesión tan conmovedora del viaje de curación, de cómo no necesitamos estar en la meta para reconocer el momento actual. por lo que es.

Kylie Gurewitz: Hay tantas joyas líricas en el disco. En realidad, es una locura que la frase “Quiero ser feliz” sea ahora una de mis frases favoritas de una canción y también una de las más tristes que he escuchado. “Carta a un viejo poeta” es líricamente muy directa y visceral; comienza con "Dije que creo que eres especial" y llega a un clímax musical para decir: "no eres especial, eres malvado". Supongo que ese sentimiento de querer retirar algún tipo de elogio, o simplemente sentirme tan diferente hacia alguien en retrospectiva, realmente resuena en mí.

También debo agregar que si dejas que la grabación se repita, hay algo increíblemente especial en la última línea, "No puedo sentirlo todavía, pero estoy esperando...", pasando a "Sin ti, sin ellos". Es como si lo que vale la pena esperar fuera la conexión que encontrarás con los demás.

Oliver Crook : Lo que hace que este trío sea tan interesante es que donde cada uno sobresale es en áreas de las que carecen los demás, haciendo un álbum que aprovecha los puntos fuertes de cada uno: por ejemplo, pocos artistas pueden ser tan personales como Baker, pero la capacidad de Bridgers de saber exactamente cuándo hacerlo rock out mejora las contribuciones de ambos. Cada músico se hace espacio el uno para el otro, haciendo un álbum que no flaquea en ningún aspecto. Boygenius hace un trabajo magistral al dejar que cada músico se eleve.

Kevin Krein:Creo que tanto con el EP como con el largometraje, la idea de Boygenius aprovecha los puntos fuertes de todos los involucrados: hay canciones en las que es claramente una “canción de Lucy” o una “canción de Phoebe” o lo que sea, dependiendo del tono y quien tiene más un papel principal, pero también trabajan muy bien juntos como colaboradores y definitivamente se nota y se escucha cuando se trata de una canción en la que ese es el caso.

Beau Hayhoe: Lo maravilloso de este LP es que cada uno puede escuchar declaraciones y canciones distintivas que reflejan dónde se encuentra cada escritor en este punto de su carrera. Phoebe tiene una manera encantadora con las palabras y los momentos íntimos sobre una guitarra tranquila y melodiosa, mientras que el trabajo en solitario de Julien ahora tiene una intensidad más rockera y profunda que en años anteriores (cuando tocaba en vivo solo con un piano y una guitarra). Y Lucy, para mí, representa un buen término medio, quizás más bien un sentimiento clásico de rock alternativo de los años 80 y 90, pero también con una habilidad especial para cortar baladas.

Sin embargo, la belleza del trío es que pueden cambiar sin problemas a través de cada uno de estos modos: los tres individualmente pueden escribir, cantar, grabar y tocar en vivo desde una mentalidad diferente (sea testigo de los momentos ruidosos en el show en vivo de Phoebe, o de la silenciosa acústica de Julien). actuaciones). Y nuevamente, como consta en el expediente, aquí están en juego los tres elementos.

Kylie Gurewitz: Sólo puedo desear ser una mosca en la pared en una de estas sesiones de composición, pero me parece que si bien cada uno de ellos aportó algunas canciones completamente escritas al disco, trabajaron juntos en el proceso de construirlas. Parece que Baker aporta una gran cantidad de desarrollo musical e instrumental a una canción, mientras que Dacus tiene un don para refinar el lirismo y Bridgers tiene una habilidad especial para dar forma a las melodías.

Sofía Severs: Baker, Bridgers y Dacus tienen puntos fuertes diferentes, pero se entrelazan perfectamente dentro de este conjunto de trabajo. Como cada uno de ellos tiene una amplia experiencia siendo pioneros en sus propias carreras en solitario, el trabajo de boygenius pareció ser completamente intuitivo desde el principio. Phoebe aporta este lirismo profundamente introspectivo a la mesa, Baker le añade su habilidad para crear una melodía acústica limpia y Dacus lo completa todo con su inclinación por un himno de rock contundente. Juntos, son una fuerza a tener en cuenta; un supersupergrupo, por así decirlo.

Nicolas: Yo diría que alientan un fenómeno que suele caracterizarse por artistas talentosos que luchan por mantenerse en la vanguardia. Al escuchar por primera vez, queda claro qué mano construyó el exoesqueleto para cada pista, pero parecen sacar lo mejor de cada uno y elevar los conceptos originales con sus perspectivas, en lugar de embotarlos para apaciguar una suposición más amplia de lo que "debería" ser boygenius.

Josh Weiner: Al igual que el término “indie pop”, la noción de “supergrupo indie” me parece una especie de oxímoron. ¡Pero me alegra ver a estos chicos unirse tan bien como lo hicieron en este álbum!

Kevin Krein:En este punto, no lo creo; sin embargo, hay una urgencia en The Record que hace que uno quiera volver corriendo y escuchar obsesivamente cualquiera de las salidas en solitario de los miembros del grupo y tal vez apreciarlas más ahora, en este momento, que quizás antes.

Beau Hayhoe: Ciertamente, está claro que los tres miembros de boygenius hacen que los demás sean mejores, y es genial escuchar cómo toma forma. Me encantaría, nuevamente, escuchar más sobre su proceso, intercambiando ideas, canciones y pensamientos, ya que puedes escuchar las fortalezas de cada miembro en el disco.

Quizás esto conduzca a cambios en la forma en que escriben y graban, o en cómo abordan el proceso, pero estaré escuchando más rockeros al estilo “Motion Sickness” de Phoebe en el futuro, y tal vez un regreso al silencio de Julien Baker. enfoque matizado, y no puedo esperar a escuchar cómo Lucy está a la altura del muy querido set del sábado del Festival Pitchfork del año pasado, donde entregó algunos momentos abrasadores en la guitarra.

Kylie Gurewitz: Desde el primer EP de boygenius, definitivamente comencé a escuchar más de cerca el trabajo en solitario para las voces de fondo; Ha sido genial escuchar a Julien y Lucy cantar armonías en “Graceland Too” y escuchar a Phoebe y Julien cantar en “Going, Going, Gone”. Seguiré escuchando pequeñas cosas como esa, o puntos en común entre las canciones.

Sofía Severs: Como mencioné anteriormente, todos los sentimientos expresados ​​en los proyectos en solitario de Baker, Bridgers y Dacus se sienten tan individuales y aislantes. Es el típico caso de solipsismo, sentirse completamente solo en el universo y como si fuera el único que alguna vez se ha sentido así. Definitivamente no estoy escuchando sus proyectos en solitario ni analizando demasiado en busca de mensajes extremadamente similares, pero saber que los tres no están tan solos en su dolor es un pensamiento tan sanador para reflexionar cuando sintonizo sus respectivos proyectos.

Nicolas: No creo que haya cambiado necesariamente mi perspectiva de sus respectivos álbumes en solitario, pero sí me encuentro escuchando un poco más de cerca las influencias que cada uno se quita en estos proyectos. Odio decir 'huevos de Pascua' porque se sienten menos como un cebo comercializable y más como adiciones bien pensadas basadas en conversaciones y colaboraciones previas.

josh: Honestamente, ¡todavía necesito revisar la mayoría de ellos! Pero recientemente volví a sintonizar Punisher de Phoebe Bridgers y me complace informar que todavía hoy es tan difícil como cuando salió por primera vez en junio de 2020, cuando todos nos beneficiamos de la tranquilidad de que, a pesar de A pesar de todas las formas en que el mundo se estaba desmoronando en ese momento, ¡al menos todavía se publicaba buena música!

Oliver Crook : Cien por ciento. Por muy contradictorio que pueda parecer, escucharlos juntos me ha permitido aislar exactamente lo que disfruté de cada solo de músico, permitiéndome sumergirme en su propio trabajo con una idea más clara de lo que los convierte en talentos generacionales.

Sofía Severs: Para mí, el disco es una oda a la curación y al siempre esquivo concepto de autoestima. boygenius nos toma las manos con fuerza mientras nos guían a través de esta narrativa de amar y dejar ir, acompañándonos a través de esta montaña rusa emocional de un disco. Si hay un mensaje general que recibí del proyecto es el de proteger tu corazón y no conformarte con menos en ningún tipo de relación.

Nicolas: Lo que saqué de esto es que no tengas miedo del propio poder, que hay una manera de expresarte auténticamente y liberarte de quienes buscan sofocar tu voz sin hacerle lo mismo a otro. El disco en su conjunto es tan elocuentemente paralelo a la experiencia de encontrar y nutrir esas relaciones que duran toda la vida, ya sea a través de intimidad compartida, confesiones crudas y puro individualismo. Es como esa noche con tus personas favoritas que nunca podrías olvidar, incluso si quisieras.

Kevin Krein: Creo que una conclusión muy obvia es que Boygenius realmente solo funciona porque las tres personas involucradas en él hacen espacio para el crecimiento mutuo fuera del proyecto y se apoyan mutuamente en la medida de lo posible. Un "supergrupo" podría colapsar y quemarse con bastante facilidad debido a sus egos, o a quién tiene "más éxito" fuera del proyecto, pero este es un gran ejemplo de, literalmente, solo tres amigos divirtiéndose y haciendo música juntos, fuera de lo que tienen. sido capaces de hacer por sí solos.

Beau Hayhoe: Este LP es una declaración definitoria que tenía mucho que cumplir, mucho antes de su lanzamiento. ¿Boygenius volvería a hacer una gira, y mucho menos grabar, después de esa gira y EP de 2018? ¿Y cómo sonaría cuando lo hicieran? Creo que han hecho una declaración de que, si lo desean nuevamente, ciertamente pueden ofrecer un LP innovador que permita a cada miembro brillar individualmente. Depende de ellos, por supuesto, pero les han dado a sus fans más de lo que jamás hubieran imaginado, incluso ahora (¡con una gira de verano en camino!). La perspectiva de futuros récords es ciertamente apasionante.

Es una celebración de sus propias fortalezas, es un testimonio de cómo dejar que los que te rodean brillen a su manera, y es un disco encantador, lleno de matices y emocionalmente cortante. ¿Esperarías algo menos?

Kylie Gurewitz: Sea gay, cometa delitos. Es una broma. Pero sí creo que hay un mensaje mucho más positivo para los oyentes en este disco que en el EP anterior, o incluso en la mayor parte del trabajo en solitario. Hay mucha esperanza, optimismo y amor en este disco.

También ha habido una ligera promoción del álbum que lo hace realmente divertido. Obviamente, Boygenius sabe quiénes son y lo buenos que son, pero no están por encima de tocar en un espectáculo en el área de recogida de equipaje, por ejemplo.

Josh Weiner: El resto de los chicos aquí parecen saber de lo que están hablando. Así que seguiré sus interpretaciones del mensaje principal del álbum y del grupo.

Oliver Crook : Que las mujeres merecen nuestro maldito respeto. Sé que esto puede ser muy básico, y se dice más sobre esta obra maestra, pero en última instancia creo que el trío quiere que sepamos que por cada Ryan Adams, el padre John Misty y cualquier otro hombre al que anunciamos como el "nuevo Dylan", Baker , Bridgers y Dacus son igual de talentosos y deberían estar en la conversación. Estos son tres músicos increíblemente talentosos en la cima de su mejor momento, y muestran este talento especial en todo momento.

Sofía Severs: Veo este proyecto como un testimonio de la camaradería y la amistad dentro de una industria que a menudo puede ser devorada por perros. El proyecto en sí no comenta tanto sobre la dinámica que enfrentan las mujeres, sino que crea este sentido de comunidad en torno a las emociones que pueden surgir con estas experiencias.

“Se siente bien ser conocido tan bien / No puedo esconderme de ti / Como me escondo de mí mismo” de “True Blue” podría aplicarse fácilmente a una relación romántica, pero elijo interpretarlo como un comentario sobre la amistad incondicional. – tal vez incluso la amistad que los tres músicos comparten entre ellos. Esa letra, entre otras cosas, es lo que elijo interpretar como la forma en que Baker, Bridgers y Dacus adoptan una postura. Es un cliché, pero realmente se necesita una aldea para lograr cambios y, en este caso, es una aldea con cimientos de amistad profundamente arraigados.

Kevin Krein: Creo que hay una ironía en el nombre que, después de cinco años, tal vez se haya perdido un poco mientras los miembros trabajaban en sus respectivas carreras en solitario. En todo caso, el tipo de lucha contra la misoginia en la industria de la música es algo que no resuena tanto en la música en sí sino en los individuos que la hacen, si sabes algo sobre sus personalidades.

Kylie Gurewitz:No creo que fuera la intención de boygenius abordar estas ideas a través de la música, pero el hecho de que boygenius exista es definitivamente una negación de la idea de que existe una competencia inherente entre mujeres en la música.

Josh Weiner: No podría decirlo, tal vez ese concepto se ve reforzado por el nombre del grupo más que por su contenido lírico. Pero veremos qué, si es que logro identificar algo, en más escuchas.

Nicolas Nicolas : Estoy de acuerdo con los demás aquí en que creo que el grupo en sí habla más de estos temas que el disco, que para mí existe de alguna manera fuera de esta atmósfera tóxica antes mencionada. El apoyo mutuo se siente más contenido y autoalimentado que dirigido.

Beau Hayhoe: Una de las cosas que más me gusta de este trío (y creo que los fans están de acuerdo) es que cada miembro no tiene problema en tomar una postura, plantar una bandera en el suelo y ser franco sobre creencias, actitudes, la industria y cómo combatirlas. asuntos. Creo que, en todo caso, el disco respalda esa ideología con tanta fuerza como uno podría esperar o desear: boygenius no tiene miedo de volverse emocional o profundo, no tienen miedo de acelerar el ritmo sonoro y no tienen miedo. Tengo miedo de decirle cómo es todo el tiempo.

Demuestran que la industria funciona mejor cuando personas con ideas afines trabajan juntas, no una contra la otra (como lo demuestra la gira Wild Hearts Tour del año pasado, con Julien, Sharon Van Etten y Angel Olsen: ¡un triunfo!). Una escucha de algunas de estas canciones muestra cómo cantan en armonía, apoyándose mutuamente también en la vida real. De nuevo, ¿esperarías algo menos?

Oliver Crook : Esta idea no necesariamente se refleja en las letras, sino más bien en la existencia de la banda y el álbum en sí. El solo hecho de existir y crear un álbum tan maravilloso desafía todas nuestras opiniones sobre las mujeres en la música y expone la toxicidad masculina de la industria. Es un mensaje poderoso.

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